Le foto rivelano l’eredità della fotografia latinx negli Stati Uniti


Louis Carlos Bernal, copyright 2019 Lisa Bernal Brethour e Katrina Bernal

Dos Mujeres (Due donne), Douglas, Arizona, 1979.

Elizabeth Ferrer è curatrice capo del BRIC, un’organizzazione no-profit per le arti e i media a Brooklyn. È anche l’autrice di Fotografia Latinx negli Stati Uniti: una storia visiva. La famiglia di Ferrer è messicano-americana, ed è nata e cresciuta a Los Angeles. Amava l’arte da bambina e crescendo durante l’ascesa del Movimento per i diritti civili chicano, ha visto in prima persona come la vita ha plasmato l’arte. “Una delle cose che ricordavo di aver visto quando ero alle scuole elementari erano i murales che venivano costruiti nel quartiere. Non avevo molto accesso ai musei quando ero bambino, ma di certo l’ho visto e ho visto il modo in cui l’arte può essere usata per il cambiamento sociale e per la comunità”.

Ha portato con sé questa idea di arte per il cambiamento sociale durante la scuola e nella sua carriera di giovane curatrice e di sostenitrice dell’arte messicana e latinoamericana. Abbiamo parlato con lei di come la scoperta di fotografi Latinx poco riconosciuti da giovane donna abbia portato a una piattaforma per lei e per gli artisti stessi.

Max Aguilera Hellwig, per gentile concessione dell’artista

Come ti sei interessato alla fotografia?

Ho gravitato verso la fotografia al liceo e ho iniziato a scattare molte foto. Sono andato a Wellesley per la storia dell’arte, e poi alla Columbia. Quando studiavo storia dell’arte, c’era molto poco in termini di arte latina, arte chicanx o arte messicana, di cui ero molto curioso. Quando mi sono trasferito a New York e ho iniziato a lavorare con l’arte contemporanea, mi sono interessato molto alla scena artistica e ho iniziato a viaggiare a Città del Messico. Ho iniziato a conoscere artisti lì e ho curato una serie di mostre sull’arte e la fotografia messicane per luoghi negli Stati Uniti a partire dagli anni ’90. Amo la fotografia messicana, e la seguo ancora, ma ho iniziato a rendermi conto che c’erano fotografi latini più vicini a casa che facevano lavori importanti. Ho iniziato a lavorare con un’organizzazione chiamata En Foco a New York, fondata negli anni ’70 da un gruppo di fotografi di Nuyorican. Attraverso En Foco sono venuto a conoscenza di numerosi fotografi Latinx negli Stati Uniti che, nel complesso, venivano esclusi dal discorso sul mezzo. Il loro lavoro è in gran parte escluso dalle collezioni dei musei, non sono stati visti nelle grandi mostre di fotografia americana né nelle gallerie fotografiche. C’era semplicemente pochissima visibilità per questi fotografi. Ho deciso di lavorare a questo libro per colmare questa lacuna nel modo in cui viene intesa la storia della fotografia americana.

Cosa ti ha colpito durante il tuo lavoro con la fotografia messicana?

Sono andato in Messico da giovane curatore, pensando che avrei curato una mostra di artisti messicani contemporanei che sarebbe stata vista negli Stati Uniti. Ero piuttosto verde. Non conoscevo davvero le persone lì, ma ho iniziato ad andare nelle gallerie. C’era una galleria che aveva una mostra personale di foto di Fiore Garduño, ed era questa giovane fotografa tradizionale emergente, molto alla scuola di una fotografia in bianco e nero modernista che era molto forte in Messico per gran parte del 20 ° secolo. È molto poetico. Sono rimasto colpito dalla sua fotografia e ho comprato una foto della mostra.

Chuck Ramirez, per gentile concessione dell’Estate di Chuck Ramirez.

Dia de los Muertos, dalla serie Seven Days, 2003.

Ti sei sentito come se dovessi lottare per fare in modo che musei o gallerie negli Stati Uniti riconoscessero questo lavoro?

All’inizio della mia carriera, ho avuto la fortuna di avere un forte interesse negli Stati Uniti per l’arte messicana. Il quinto centenario di Colombo è avvenuto nel 1992, sono stato anche coinvolto in una grande mostra del Museum of Modern Art dove sono stato co-editore di un catalogo per una mostra di successo, Arte latinoamericana del XX secolo. Fondamentalmente ogni museo voleva una mostra di arte messicana o latinoamericana. Sono stato fortunato, era il posto giusto al momento giusto e ho potuto fare molte mostre e progetti. Ma c’era molto meno interesse per l’arte latina e la fotografia in quell’epoca; ci è voluto molto tempo. L’interesse non era così forte e questo ha richiesto molto tempo. Sicuramente negli ultimi anni c’è stato un crescente interesse per l’arte afroamericana e, in una certa misura, anche per l’arte latina. Le persone stanno iniziando a rendersi conto di questo divario tra ciò che sanno e ciò che non sanno, e c’è una sete di conoscenza di tutte le cose latine.

En Foco è stato avviato da un gruppo di fotografi portoricani nel 1974 che stavano vivendo gli stessi problemi di visibilità. Bussavano alle porte ma non ricevevano incarichi dai media mainstream. E certamente non stavano ottenendo il loro lavoro nei musei, ma vedevano fotografi bianchi che lo erano. Un ottimo esempio calzante è Bruce Davidson, il cui libro 100° Strada Est, documentando un isolato impoverito ad Harlem, è stato pubblicato quando allo stesso tempo c’erano fotografi afroamericani che si occupavano di questa stessa comunità. La stessa cosa stava accadendo a East Los Angeles, dove sono cresciuto. Durante l’era dei diritti civili degli anni ’60, ci furono molte proteste e manifestazioni, insieme a una spinta per l’orgoglio etnico e una maggiore coscienza politica tra i latini. E sai, le riviste si occupavano di molte di queste dimostrazioni, ma mandavano fotografi Magnum in questi quartieri. Anche i fotografi locali che passavano la vita giorno dopo giorno a fotografare queste comunità si occupavano di queste cose, ma il loro lavoro non era visto a livello nazionale.

Quando sono stato coinvolto in En Foco negli anni ’90, erano molto attivi e organizzavano mostre, dando borse di studio ai fotografi per realizzare nuovi lavori, pubblicando Nuova luce rivista. Per quanto En Foco sia importante, non è ancora mainstream. Ottenere quella copertura mainstream è ancora una grande sfida. Spero che il mio libro aiuti a dare a questi fotografi una grande visibilità, ma è solo l’inizio.

Molti di questi fotografi nel libro dovrebbero avere una monografia scritta su di loro, dovrebbero avere mostre personali. Molti di questi fotografi hanno abbastanza successo, ma molto del glamour che è stato associato all’arte latinoamericana e che è stato adattato da importanti istituzioni come il MoMA, non è accaduto per i fotografi Latinx.

David Gonzalez, per gentile concessione dell’artista

Ballerini, Mott Haven, agosto 1979.

Oggi esistono molte organizzazioni per collegare i media mainstream con i fotografi meno conosciuti, mi vengono in mente Diversify Photo e Indigenous Photo. Riesci a vedere la differenza negli ultimi anni?

Penso che sia cambiato molto da quando siamo passati dall’enfasi sulla stampa al digitale. È stato un cambiamento enorme. Nella stampa, c’era sempre un guardiano. C’erano pubblicazioni più piccole come Nuova luce, ma questo non potrebbe mai competere con le pubblicazioni tradizionali patinate.

Una volta che lo spazio digitale si è aperto, con la proliferazione di siti di notizie e blog online, un’organizzazione, ad esempio, dedicata ai diritti degli indigeni ha maggiori probabilità di assumere un fotografo indigeno che forse vive in quella comunità o risiede a lungo termine in quella comunità. Ovviamente l’altro grande cambiamento è l’ascesa dei social media, e così tanti fotografi, anche i più anziani, hanno feed di Instagram e possono usarlo come piattaforma senza gatekeeper, senza filtro, per presentare il loro lavoro.

Una cosa che mi preoccupa sempre per quanto riguarda la visibilità di questi fotografi è il mercato della fotografia. Ci sono diversi fotografi messicani, figure come Manuel Alvarez Bravo o Gracia Iturbide, che hanno un mercato forte, il cui lavoro si vede nelle gallerie commerciali. Ma i fotografi latini sono in gran parte esclusi dalle gallerie commerciali, ce ne sono solo alcuni. Soprattutto per i fotografi emersi negli anni ’80 e ’90, questo non faceva parte della loro esperienza. Riuscivano a guadagnarsi da vivere insegnando o ottenendo borse di studio, ma non vendendo il loro lavoro. La cosa della galleria è importante perché un buon gallerista sarà la persona che ti aiuterà a ottenere le mostre del museo, che ti aiuterà a posizionare l’opera nelle collezioni permanenti. L’esclusione del lavoro Latinx dalle gallerie e da quegli aspetti della fotografia commerciale è qualcosa che ostacola la loro capacità di avere una presenza a lungo termine e duratura del loro lavoro. Quando gli artisti muoiono, cosa succede a quei corpi di lavoro? Cosa succede se questo lavoro non viene apprezzato dal punto di vista commerciale?

Michael Gandert

Melissa Armijo, Eloy Montoya e Richard “el Wino” Madrid, Albuquerque, 1983.

Tornando a quello che hai detto sui fotografi Latinx che mettono il loro obiettivo dietro le questioni sociali del giorno. Quale pensi che sia il ruolo che i fotografi Latinx giocano oggi nel coprire queste questioni politiche in corso?

È il confine, ma è anche lo status dei portoricani. Sono questioni di migrazione ed equità. Ci sono fotografi nel libro che mettevano il loro obiettivo al servizio dei contadini che spingevano a sindacalizzare in California negli anni ’60. o qualcuno come Hiram Maristany a New York, che era il fotografo degli Young Lords, il gruppo di attivisti portoricani. Ma trovo che tutti questi fotografi, anche quelli delle generazioni più recenti che stanno lavorando con approcci più consapevolmente artistici o concettuali, mantengono ancora quella posizione politica, quel desiderio di riflettere la loro comunità. Cito in particolare Harry Gamboa e le sue serie principali major Chicano maschio non legato. Ha iniziato questa serie dopo aver sentito un annuncio radiofonico che la polizia stava cercando un maschio chicano. Quella stereotipazione del giovane messicano americano come criminale, proprio nello stesso modo in cui i giovani afroamericani sono demonizzati, è stata la scintilla per lui per creare questa grande serie di ritratti di uomini chicano di diverse età e professioni, semplicemente in piedi nella cornice . Alcuni di loro sono attori, avvocati, ballerini, giudici, preti, e li ha fotografati apposta al tramonto, a volte guardando la telecamera in modo aggressivo o assertivo, costringendoti a confrontarti con i tuoi stereotipi.

Christina Fernandez

Sinistra, #2, 1919, Portland, Colorado; giusto, # 6, 1950, San Diego, California, dalla Grande Spedizione di Maria, 1995-96.

Cosa vuoi che i lettori ottengano comprendendo l’importanza di vedere una storia visiva degli Stati Uniti attraverso una lente Latinx?

Questo libro racconta più di 80 fotografi, racconta una storia che risale al diciannovesimo secolo. È importante che le persone vedano che non solo facevamo parte di quella storia, ma stavamo innovando all’interno di quella storia. Ad esempio, c’è un buon numero di fotografi Latinx che lavorano negli anni ’80 e ’90 il cui lavoro è davvero preveggente in termini di come gli strumenti digitali vengono ora utilizzati dai fotografi. Voglio che le persone vedano e conoscano i singoli fotografi e apprezzino il loro lavoro. Ho sentito che era importante scrivere un libro di fotografi Latinx perché erano stati così invisibili, ma alla fine questi fotografi Latinx hanno bisogno di essere visti come americano fotografi. Fanno parte della storia dell’arte americana, della fotografia americana. Non credo che l’intera storia della fotografia sia stata scritta, c’è così tanto che è stato tralasciato.

Perché questa storia più ricca e vibrante della fotografia americana possa essere scritta, deve includere più fotografi latini, fotografi afroamericani, fotografi asiatici americani, fotografi queer. Quella storia finora è stata troppo ristretta nella sua definizione.

Ricardo Valverde, cortesia Esperanza Valverde

Ritratto dell’artista da giovane (più) uomo, 1991.

Hiram Maristany, per gentile concessione dell’artista

Delilah Montoya, per gentile concessione dell’artista

Karen Miranda de Rivadeneira, , per gentile concessione dell’artista

La mamma mi guarisce dalla mia paura delle iguane portandomi al parco e dando loro da mangiare ogni fine settimana, ca. 1994, 2012.

Jesse A. Fernandez, per gentile concessione della Tenuta di Jesse A. Fernandez, Collezione di Francia Mazin Fernandez.

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